Espectáculo

Sinopsis

Mario, vit dans un loft reconverti à la fois en logement et en atelier artistique. Il peint à l’huile sur des photographies grand format qu’il réalise lui-même. Cela fait quelques temps que sa vie a succombé à la dure réalité. Ses parents, d’un âge avancé, ont besoin de ses soins ainsi que sa fille. Mario s’efforce de s’en occuper au mieux, même si la tâche se révèle très compliquée.

Il n’a jamais appris à s’occuper des autres. C’est un voyage initiatique qu’il commence au sein du foyer entouré du passé avec un futur incertain.

À propos de la création de l’œuvre

Le nouveau projet théâtral de la compagnie Marie de Jongh s’appelle “Ama” (Maman). C’est un spectacle grand format dans la lignée des deux derniers spectacles de la compagnie : AMOUR et IZAR-ESTRELLA. Mais cette fois, à la différence des deux pièces précédentes, le spectacle s’adresse à un public adulte, à partir de douze ans. De plus, il y sera employé le masque-zéro, qui va plus loin que le neutre, ou plus près, puisqu’il n’y reste plus aucun trait qui l’humanise. Nous maintenons en revanche l’une des caractéristiques de la compagnie : nous n’utiliserons pas la parole.

AMA parle de la force de certaines personnes fragiles et effrayées. C’est un chant à la beauté épique du soin que l’on porte aux autres. De l’attention portée à nos anciens, ceux que se meurent peu à peu, emportant avec eux un peu de ta propre vie.

AMA est une œuvre d’émotions fortes issues du quotidien où se mêlent le terre à terre avec le fantastique, le merveilleux avec le souvenir, l’art avec le rire, l’absurde avec le tragique.

Le ton de l’oeuvre

Les sujets qui exposent ou mettent à nu les sentiments humains nous ont toujours intéressés.

“Je ne veux pas être une gêne pour vous.”

Ma mère.

C’est pourquoi nous ne voulons pas atténuer ou maquiller la cruauté de la réalité bien qu’il nous paraisse intéressant de la confronter à l’humour et à la beauté, dans une palette de couleurs qui fait de nos « tableaux en mouvement » des pièces qui peuvent divertir les petits et les grands. Le fait que nous utiliserons le masque-zéro nous ouvre un univers poétique qui se concrétise dans la forme et le contenu du projet.

Pour commencer, nous souhaiterions expliquer pourquoi nous avons choisi d’utiliser le masque-zéro:

Nous aimons le fait que le masque-zéro place nos personnages au bord de l’abîme. Au bord de la « déshumanisation ». Cel nous paraît attractif car nous croyons que, d’une certaine manière, nous vivons tous sur cette frontière mince et fragile. Au-delà se trouve le « Terrible », où habitent nos monstres. Autrement dit, au-delà se trouve la folie.

De cette manière, nous cheminons durant la totalité du spectacle sur cette maigre frontière. Là où il est parfois difficile de discerner de quel côté de la frontière nous sommes.

Synopsis

Quelqu’un imagine être quelqu’un d’autre, s’exerce à se mettre à sa place, pour ensuite revenir enrichi par l’expérience vécue. À travers le jeu, il représente un animal, une fleur, un jouet, l’eau ou le vent lui-même. Un garçon s’imagine être une fille, une fille rêve d’être un garçon. Une autre fille est convaincue d’être un garçon jusqu’à ce qu’elle découvre qu’elle est un garçon qui se rend compte qu’il est une fille ; elle revient au moment de sa naissance, s’imagine être la mère du nouveau-né, puis la grand-mère de la mère et l’arrière-grand-mère de la grand-mère, jusqu’à s’imaginer être un singe. Ils explorent, jouent, se salissent, découvrent qu’ils sont capables d’être l’un et l’autre, une personne qui peut être moi, elle et toi, sans être obligés d’être l’un, elle ou toi.

Ce spectacle met en valeur la capacité des personnes à expérimenter avec leur corps ou leur imagination, à jouer différents rôles, à interagir avec le monde de différentes manières, à explorer les relations, à essayer, à chercher. En définitive, la capacité d’explorer différentes options et de les approfondir. Nous voyons la nécessité de revendiquer cette valeur dans une société méfiante, qui a tendance à tout étiqueter à la hâte. C’est pourquoi nous revendiquons le droit à l’erreur et aussi à l’échec si nous voulons comprendre la vie dans toute sa profondeur. Et surtout, nous voulons offrir du réconfort.

À propos de la collaboration

ESNA est du théâtre et de la danse, car c’est de la danse, mais aussi du théâtre. Les interprètes sont des danseurs, mais Jokin Oregi est spécialisé dans le théâtre et Eva Guerrero a passé beaucoup de temps à explorer l’hétérodoxie de la danse. Sur scène, deux corps interprètent une seule personne, tout comme deux compagnies s’unissent dans un même objectif : imaginer que nous sommes autres, en jouant.

Synopsis

Estrella est une petite fille d’à peine six ans, en voie de devenir une pianiste de renommée mondiale.
Estrella est une étoile heureuse, à tel point qu’elle ne voudrait jamais grandir.

Note du directeur

«Les étoiles de mer ont une caractéristique particulière : après la perte d’un bras, elles peuvent le régénérer, se rétablir. Il y a donc dans l´étoile de mer une grande  force symbolique quand on parle de surmonter une perte ; et dans notre spectacle, c’est précisément ce qui est en jeu »

Jokin Oregi

Synopsis

Quand Martírio était petite, elle avait peur pour de multiples raisons, mais il y en avait deux en particulier qui lui inspiraient une terreur déconcertante : voir quelqu’un sans protection et les sorcières, ces femmes solitaires et maléfiques qui vivent dans de vieilles cabanes au sommet de la montagne.

Martírio, désireuse de protéger sa chère petite araignée, a surmonté beaucoup de ses peurs. C’est ce que nous raconte Martírio elle-même qui, une fois adulte, est devenue… une « sorcière ».

Une histoire de sorcières sans sorcières, une histoire de courageux sans courageux, une histoire magique sans magiciens, une histoire d’enfants qui ne sont pas si enfants et d’adultes qui ne sont pas si adultes.

Histoire

« TXIRRISTI MIRRISTI, GERRENA PLAT, OLIO ZOPA, KIKILI SALDA, URRUP, EDAN EDO KLIK, IKIMILIKILIKLIK »…

…chantait le chanteur-compositeur basque Mikel Laboa dans les années 70 et 80, et nous imaginions tous une sorcière récitant la formule magique tout en préparant la potion miraculeuse.

En effet, le personnage principal du nouveau projet de Marie de Jongh est une petite fille qui avait peur des sorcières dans son enfance, mais qui finit par devenir l’une d’entre elles.

Elle n’est pas la seule protagoniste, le mot l’est aussi. Pour la première fois, Marie de Jongh présente un spectacle non gestuel, où le mot est un élément dramatique incontournable. Nous l’avons fait en respectant l’une de nos principales règles : choisir la meilleure façon de transmettre au spectateur ce que nous voulons raconter.

Et que voulons-nous partager ? Nous voulons partager une réflexion sur la peur, son caractère castrateur, son pouvoir implacable sur nos décisions, mais aussi cette partie inconfortable de nous-mêmes qui nous définit et avec laquelle nous devons cohabiter.

Synopsis

Xebas et Cocó forment un duo artistique de clowns plus enthousiastes que talentueux. Pour leur prochain spectacle, Xebas décide d’introduire un élément qui devrait faire sensation : un vrai gorille, en chair et en os.

Il est convaincu que s’il l’apprivoise et lui apprend différents tours, leur chance tournera et ils gagneront les applaudissements du public. Cependant, ce n’est pas tant le gorille qui va tirer les leçons de cette expérience ; Xebas et Cocó vont apprendre une leçon qu’ils n’oublieront jamais.